L’Off Off Theatre di Via Giulia ospita la prima romana di “Bambola, La strada di Nicola” di Paolo Vanacore diretto e interpretato da Gianni De Feo, uno spettacolo dedicato a Patty Pravo che resta in scena fino al 6 marzo.
Forse le canzoni hanno influenzato la storia drammatizzata di Nicola/Bambola o forse questa nasce fondendosi con naturalezza alle melodie e ai testi di brani indimenticabili. Poco importa, la carrellata di immagini e sensanzioni che vengono evocate riallacciano il sottile filo di una memoria spezzata, un po’ per colpa del Covid, un po’ dalla superficiale corsa del presente, un po’ dalla storia di una Comunità che tende a dimenticare parti di sé, quasi a demonizzarle. Queste suggestioni accompagnano il pubblico in un viaggio indietro nel tempo: dalle rivendicazioni femministe di una madre complessa, ai marciapiedi di una Roma pittoresca, quasi felliniana, e illuminata da una luna di carta, dalle rimembranze degli sguardi paterni fino alle rivelazioni brutali di una realtà fittizia e, forse, impossibile. Una storia densa e, a tratti, incoerente, che è resa straniante e poetica grazie alla figura plastica e mutevole dell’interprete e regista. Il finale spiazza, ma anche raddrizza il tiro di una drammaturgia apparentemente sbilenca e sembra tirare in ballo Almodóvar e la sua torera Lydia González.
Gianni De Feo è il deus ex machina di questo racconto. Deus perché trasforma il materiale umano che l’autore gli affida in qualcosa di altro, di lontano dal quotidiano, divino appunto. Ex machina perché compie il miracolo della catarsi attraverso l’utilizzo di mezzi tecnici, per certi versi esterni a sé, che però scavano a rivelare le profondità del suo approccio attoriale, artifex sì, ma anche anima. Il trucco, gli abiti e le movenze fanno di lui una figura estranea al tempo, sospesa anch’essa come la luna e, quasi, eterna. I personaggi sembrano passare attorno a lui, soffermarsi, distrattamente, poi fluire altrove lasciando l’impressione di un universo pieno di facce, mani, corpi, tutti concentrati in una sola entità: la sua. Non scompone il suo timbro virile neppure quando veste i panni di Bambola, ma adatta la parola, la pausa, la melodia a sé, per restare padrone della situazione, per raccontare gli eventi senza perdersi nel flusso emotivo. A volte sembra una Laura Betti scomposta e volgare, altre un risentito Vinicio Diamanti, oppure un irriverente Paolo Poli, pungente e amaro: attraversa anch’essi, miti indimenticabili di storie dimenticate, così come fa con la tradizione del teatro-canzone che, a volte, è stata ingiustamente sottovalutata, come fosse un genere minore. Ma Gianni De Feo ci dimostra il contrario.
Lo spazio in cui si svolge l’azione è un non-luogo delicato e sognante, pieno di scatole-contenitori decorate che fanno il paio con i fantasiosi abiti di Roberto Rinaldi con cui Gianni De Feo dà i contorni alle sue creature. Uno spazio scenico e plastico che accompagna lo spettatore verso il fondo su cui troneggia un albero stilizzato e luminoso, simbolo della vita e delle sue scelte, a volte mancate come i rami tronchi, a volte fiorite e felici. Ma in fondo la felicità si nasconde anche nell’invenzione più consolante, la stessa che Nicola/Bambola ci svela alla fine e che vola via “con il tempo”.
Infine, non può mancare una nota di entusiasmo per le musiche e gli arrangiamenti di Alessandro Panatteri che hanno dato agli interventi musicali la giusta profondità, sottolineando con semplicità ed efficacia i testi e restituendo la bellezza delle melodie di canzoni immortali.
Off Off Theatre
1-6 marzo 2022
Bambola
La strada di Nicola
Uno spettacolo musicale
diretto e interpretato da Gianni De Feo
di Paolo Vanacore
musiche originali e arrangiamenti
Alessandro Panatteri
scene e costumi Roberto Rinaldi
foto e grafica Manuela Giusto
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Franca Angelini, durante le sue lezioni universitarie, sosteneva che il vero spirito del teatro poteva ritrovarsi nello spazio eletto della “compagnia”. Aveva ragione. Un luogo scenico ed emotivo in cui, almeno dall’Illuminismo ad oggi, la drammaturgia ha saputo rinnovarsi, rigenerarsi e rielaborare i grandi temi universali. Però, si sa, che anche il teatro deve sottostare alle “leggi di mercato”, così proprio oggi trovare sulle scene un “sistema-compagnia” è più che mai difficile.
Quando, al posto di un one-man-show, capita una “compagnia”, non sempre la scrittura o i temi dello spettacolo riescono a sposarne le abilità di ogni sua parte: queste incognite lasciano lo spettatore medio genericamente turbato, certamente incapace di giudicare, più spesso gli tolgono la fantasia di tornare a teatro. Competere con l’hometainment non è uno scherzo! Ci vuole bravura, capacità, senso del teatro, competenza, sagacia, tempismo. In due parole: Orgoglio e pregiudizio. Quello prodotto da Marche Teatro e Teatro di Napoli-Teatro Nazionale che da qualche tempo gira per l’Italia incantando le platee e che, per nostra fortuna, è approdato anche al Teatro Ambra Jovinelli di Roma.
L’adattamento che Antonio Piccolo ha distillato da “Orgoglio e pregiudizio” seleziona fatti e personaggi, ma non tralascia di riproporre lo stile della Austen. Nulla sfugge, infatti, dei sottili equilibri sociali, reale perno del romanzo, né dei dialoghi fulminei o delle dinamiche familiari e affettive. La regia di Arturo Cirillo amplifica questa costruzione tramite un’inventiva mai scontata, ma comica e sincera dove occorre. Il suo senso della scena, l’equilibrio fra le parti e la misura lo rendono più che ammirevole da sempre. Lo spazio è percorso e moltiplicato dagli specchi che lo delimitano, così come il tempo è rallentato o affrettato, a seconda delle necessità, senza perdere un solo istante di coerenza.
Le citazioni testuali e iconografiche si intrecciano ai caratteri dei personaggi senza forzature, con una naturalezza che potrebbe apparire semplice, ma è invece frutto di studio, dedizione, passione e talento. La chiave di volta è proprio il talento. Saper scegliere cosa dire, come dirlo e, soprattutto, con chi. Arturo Cirillo, infatti, che interpreta anche due spassosissimi caratteri in scena, potrebbe, da solo, riempire tutto lo spazio del palco. Spazio fisico ed emotivo. E in effetti, quando è il suo “turno” lo fa al meglio, come sempre. Ma gli altri non sono meri comprimari.
La squadra di questo spettacolo è composta di pezzi unici, ognuno nel suo genere. Tutti vantano premi, esperienza e una formazione completa. Valentina Picello tratteggia una Elizabeth contrastata e assolutamente straordinaria, complessa e contradditoria, verosimile alter ego della Austen. Ha talento, ma non lo ostenta. Se ne serve per catturare il personaggio, non semplicemente il pubblico e passa, senza soluzione di continuità, attraverso gli stati d’animo della giovane come un uragano in primavera. Francesco Petruzzelli la contrappunta con un Darcy più capricciosetto che orgoglioso, ma compostamente ideato. Si tratta di un giovane brillante che promette il meglio.
Talentuosissima Sabrina Scuccimarra che regala una madre spassosa, ironica e mai sopra le righe (difficile mantenere il controllo di un personaggio simile!), che non teme neppure il confronto con il partner Cirillo-padre né Cirillo-zia. Probabilmente perché i due attori vanno in direzioni troppo differenti per ipotizzare un paragone. Lei caratterista brillante e fantasiosa, lui un composto concentrato di istrionismo e storia del teatro en travesti. A completare il quadro: Rosario Giglio che spicca per timbro vocale e attitudine scenica perfettamente in stile con il suo canonico; Eleonora Pace che tratteggia una deliziosa Jane, anche lei mai oltre i limiti del suo personaggio che, seppure meno sfaccettato rispetto alla sorella, sa regalare momenti di intensità; Giacomo Vigentini che si dimostra ottimo attor giovane, senza sbavature; e infine Giulia Trippetta che riesce a costruire credibilmente due personaggi rischiosamente simili eppure indipendenti, senza mai tradirsi né nel gesto né nella parola.
Le scene di Dario Gessati sono in linea con la regia: dinamiche e allusive come meglio non si potrebbe, eppure essenziali. Lasciano agli attori il giusto spazio per esprimersi, ma all’occorrenza offrono loro tutte le potenzialità drammatiche: oggetti di scena e non semplice cornice. Deliziosi i costumi d’epoca di Gianluca Falaschi, seppur con qualche tocco di modernità, eco di alcune idee registiche dinamiche e dei rapporti fra i personaggi, tutt’altro che ottocenteschi.
Ottime le luci di Camilla Piccioni che accarezzano corpi e volti rendendo la perfetta atmosfera di un suggestivo scorcio pittorico. Lo stesso valga per le musiche di Francesco De Melis che, giocando con melodie e modulazioni, avvicinano l’antico al moderno, affascinando il pubblico e trascinandolo nel gioco del palco. Talento da vendere? No, da ammirare!
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Debutta il 19 gennaio 2018, e rimarrà fino al 24 gennaio, al Teatro Brancaccio di Roma La Divina Commedia Opera Musical, una nuova imperdibile produzione tratta dalla più grande opera italiana e firmata dalle musiche del noto compositore Marco Frisina, con la regia di Andrea Ortis, i testi di Ortis e Pagano e l’inconfondibile voce narrante di Giancarlo Giannini.

La Divina Commedia opera Musical, dopo il debutto del 2007 con oltre 450000 spettatori ritorna in scena con un restyling profondo e coinvolgente, nel quale un team creativo innovativo e un cast artistico di assoluto valore renderanno allo spettatore un Dante diverso, mai così raccontato.

Nel cast, Antonello Angiolillo nei panni di Dante; Myriam Somma e Noemi Bordi sono Beatrice; Andrea Ortis è Virgilio; Francesco Iaia nel doppio ruolo di Caronte e il conte Ugolino; Federica Basile e Mariacarmen Iafigliola in Pia dè Tolomei; Angelo Minoli in Ulisse e Catone e, infine, Manuela Zanier e Rosy Bonfiglio in Francesca da Rimini e Matelda. Le scene sono di Lara Carissimi, coreografie di Massimiliano Volpini, costumi di Lorena Di Pasquo, Disegno Luci di Valerio Tiberi, proiezioni di Roberto Fazio.

Una ricerca meticolosa di elementi di innovazione, in due ore e mezza di spettacolo, scenografie che prendono vita cambiando in pochi attimi e trascinando lo spettatore negli inferi disperati in un momento e nell’atmosfera aurea del Paradiso nell’attimo dopo; e in mezzo a questi, il viaggio di Dante, dove nulla cambia in un messaggio che ancora oggi, come nel 1300, parla allo stesso uomo divorato da vizi e passioni, ma sempre alla ricerca di quel senso della vita che Dante indica nell’amore, nell’eccezione più pura. 

“Questa” dice il regista Andrea Ortis “E’ la storia di un uomo ed è la storia di tutti gli uomini”. L’opera Musical racconta le tre cantiche in due atti per un totale di due ore di spettacolo. Il Dante che il pubblico vedrà è un Dante nuovo, moderno che farà appassionare adulti e ragazzi raccontando una Divina Commedia frizzante quasi fantasy.

Prodotta dalla MIC, Musical International Company e con l’importante patrocinio della Società Dante Alighieri, dal suo debutto La Divina Commedia Opera Musical toccherà altre importanti città e sarà in Tour fino alla primavera 2018: Palapartenope di Napoli dall’8 all’11 Febbraio, al Teatro Ciak di Milano dall’8 all’11 Marzo e al Teatroteam di Bari dal 15 al 18 Marzo.

Oltre alle rappresentazioni serali in programma molte matinée per le scuole per far riscoprire agli studenti un Dante diverso, nuovo, moderno.

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La Divina Commedia Opera Musical arriva al Teatro Stabile del Friuli Venezia Giulia “Politeama Rossetti” con gli appuntamenti conclusivi del tour 2021-2022 nei settecento anni dalla morte di Dante. Le date in cartellone, 8 e 9 aprile 2022. Dopo le tappe di Tolentino, Torino, Reggio Calabria, Bologna, Milano, Firenze, Brescia, Roma, Genova e Padova, l’evento finale al Politeama Rossetti di Trieste con la forza e la bellezza di un bilancio meraviglioso.
Il più grande racconto dell’animo umano, della sua miseria e della sua potenza, tra vizi, peccati e virtù che non conoscono l’usura del tempo, è stato trasformato con eleganza e sapienza in uno spettacolo di voci, danze e tecnologia così straordinario da far guadagnare a La Divina Commedia Opera Musical la Medaglia d’oro dalla Società Dante Alighieri, il titolo per ben due volte di Miglior Musical al Premio Persefone edizione 2019 e edizione 2020, e la partecipazione istituzionale nel 2021 con il riconoscimento del Senato della Repubblica, il patrocinio del Ministero della Cultura, oltre al sempre costante patrocinio morale della Società Dante Alighieri all’intero tour. Successo, riconoscimenti e presenze di grandissima valenza.
Per la regia di Andrea Ortis, che assieme a Gianmario Pagano ha curato anche i testi, con le musiche composte da Marco Frisina, interpreti eccezionali danno vita ai personaggi più emblematici, unici ed eterni del poema dantesco: Antonello Angiolillo (Dante), Andrea Ortis (Virgilio), Myriam Somma (Beatrice), Noemi Smorra (Francesca, Matelda), Angelo Minoli (Ulisse, Guido Guinizzelli), Mariacarmen Iafigliola (Pia dei Tolomei, La donna), Antonio Melissa (Caronte, Ugolino, San Bernardo), e Antonio Sorrentino (Pier delle Vigne e Arnaut). Il corpo di ballo acrobatico, guidato dal capoballetto Mariacaterina Mambretti, è come un’onda che avvolge il racconto. Tutt’attorno, una realtà aumentata dà al passato la sostanza del presente.
Inferno, Purgatorio e Paradiso: proiezioni immersive in 3D inondano il pubblico e lo immergono nell’immensità sublime che solo il padre della lingua italiana ha saputo creare nelle tre cantiche.L’edizione 2021-2022 è stata arricchita di numerose novità a completamento di testi innovativi e quadri scenici realizzati e pensati dal regista e dal team creativo per rendere l’opera musical un moderno kolossal teatrale. Vi aspettano nuovi effetti tecnologci di luci e proiezioni e live session di percussioni per un massimo coinvolgimento del pubblico in sala.
 Il tour 2021-‘22 de La Divina Commedia Opera Musical si avvale del prestigioso sostegno degli sponsor TIM, BNL, Poste italiane e numerosi altri, di Radio Italia radio ufficiale, e del vettore ufficiale Trenitalia. Prodotto da MIC Musical International Company, l’acclamato kolossal, che già nelle passate stagioni ha incantato tantissimi palcoscenici italiani con ripetuti sold out

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